中国古典绘画所表现出来的艺术语言上的高远、沉雄和典雅，远非我们想象的那么简单。中国画和中国的诗歌一样，早在一千多年前，就远离了状物象形的阶段，走上了意匠独运，以抒发作者主观情感为终极目标的境界。而这种抒发，又顾及到艺术的本质，也就是艺术的社会功能——“可以兴，可以观，可以群，可以怨”，注意到艺术必须与千百万群众有沟通的桥梁。中国画绵延几千年，培养了几千年的观众，几十亿、几百亿的人们把自己的生命体验积蓄起来，形成了一种民族性的审美经验，这是一种不可忽视的因素，也是中国画永葆其恒久魅力的根本原因之所在。
    中国画家和欣赏者有着一种天然的契约，共荣共存，谁也无法离开谁。如果一个中国画家发出的信息得不到欣赏者的回应，那就是这个画家的失败。同样的道理，如果艺术品朦胧得只有你自己知道，那也是艺术的悲剧。中国画作为一种民族精神的体现者，至今被中华民族90%以上的人们滋养着、欣赏着、喜爱着，人民认为它穷途末路、奄奄一息了吗？没有。中国画身上确实有些毛病，这些毛病早在本世纪初就被当时的知识精英们指出来了，但是那时的人们也没有像现在的某些人那样，把中国画看得那么病入膏肓，不可救药。对这样一个了不起的画种，也可以说是人类艺术史上最独特、最伟大的画种之一，我们应该充满信心才对。在我看来，审美趣味的高低和变更，并不由生产力的发展水平来决定，也不会（甚至无需）与现代化同步。至少在中国画领域之中，我敢断言是如此。艺术和科学不一样，科学是直线前进的，现代的一个中等资质的物理学家，肯定要比中世纪最高级的物理学家高明，这是因为科学成果完全可以实行拿来主义，可是艺术的发展却不是那么简单，更无法采用拿来主义，使一个人成为比前人高明的艺术家。即便你是大师的儿子，你能说你一定也成大师吗？父亲还是父亲，你还是你，巨人的后代出现侏儒是屡见不鲜的。在艺术史上，后浪不一定推前浪，今人不一定胜古人。相反，倒是常常会出现审美上的怀旧情绪，我们现在读一读李白杜甫的诗，看一看霍去病墓前的石雕，不是常常让我们流连忘返、心驰神往吗？现在谁能写出他们那样的诗篇呢？
    任何一个有成就的艺术家，一定有自己独特的审美偏好，这是其艺术风格得以形成的一个基因。其实，任何一个民族的艺术特点，本身就包含了这个民族世代相传的审美偏见，恰恰是这种偏见，构成了全世界五彩缤纷的民族、民间艺术。这种东西有时是非常顽强的，无论社会如何变迁，它却渗透到大家的血液里，成为维系这个民族精神的纽带。中国画在某种意义上，是具有这种功能的。我们把它叫作“国画”，与“国药”、“国剧”、“国术”等等一样看待，就是因为在它身上，沉淀了太多的民族文化的基因。
    说到新与旧，我觉得还有个艺术评价标准的问题需要澄清：什么是旧？什么是新？其实一切都是过程。今天的新，便是明天的旧，而昨天的新，便是今天的旧，新与旧在永恒地交替着。在艺术上，新与旧并不是评价艺术高下的标准，评价艺术水平的最主要标准是好和坏——这是我的一贯看法。